在21世紀，創作不僅僅是做作品，藝術家也不僅僅是藝術家。

藝術家是品牌、是製作人、是KOL。

藝術平台是IG限動，藝術家可以24小時直播帶貨。

但是當每個人都可能是藝術家，

藝術的功能、場域，甚至定義，是否皆已發生質變？

在「每個人都是藝術家」的年代，

想從事藝術這一行，就要先知道藝術家都是怎麼死的。

在大數據時代，關於藝術家，你會聽到兩種版本。

一種是矽谷的版本：

「要成為藝術家，沒有比現在更好的年代了。你只需要一台筆電、一間錄音室、一支iPhone或攝影機就能創作。創作藝術幾乎沒什麼成本，透過網路發行作品同樣免費。人人都可以是藝術家，只要發揮你的創作力、找到發表平台，你就有可能一夜成名。」

另一種版本，是專業藝術家的肺腑之言：

「你可以把你的作品放到網路上，但誰會付你錢？每個人都是藝術家，那就沒有人是真正的藝術家。創作藝術需要多年的犧牲奉獻全心投入，過程需要很多支持，特別是金錢。若當今大眾對藝術創作的定義與消費方式沒有任何改變，藝術經濟的系統運作只會越趨失靈。」

如今，許多人無時無刻都在消費藝術，卻對藝術家在當代經濟中的困境視而不見。

藝術市場這塊大餅因科技巨頭和演算法而粉碎成一百萬片小碎屑，

大量的「藝術」被製造出來，數量之多前所未見，成本也更低廉。

對於藝術消費者來說，這真是最好的時代──如果不把「質」與「量」等同視之，

也不去思考供應鏈另一端的藝術家如何生產，就會覺得最藝術的時代莫過於此。

我們首先有了速食，然後是快時尚，現在則迎來快藝術：

快音樂、快文字、快影片、快攝影、快設計與快插圖。

廉價製造，匆匆消費。我們隨心所欲，狼吞虎嚥。然而，問題是：

當真正夠好的藝術被免費上架的產品打敗之後，會留下什麼樣的藝術？

時至今日，有些人仍以藝術為生，他們是如何做到的？當代藝術兼文化批評家威廉‧德雷西維茲在本書訪問了約一百四十位藝術工作者，除了作家、視覺藝術家、音樂家、影視製作人，也包括教授、記者、藝術社運人士、藝術經紀與藝術學院院長等。如果藝術家在文藝復興時期是以工匠的角色存在，十九世紀時是波西米亞人，二十世紀則被視為專業人士，那麼，大數據時代下的新典範正在浮現──如今網路不僅使觀眾與藝術家之間無需其他中介，也讓各種藝術同在一個平台競爭、與注意力經濟中的各種實體競爭，而所有這些因素都在改變藝術本身，改變大眾對藝術的觀點：什麼是藝術、什麼才是好的藝術？藝術家在社會中的位置何在？本書試圖指出當代藝術生產線正面臨哪些前所未有的鉅變，免費數位內容如何讓藝術在觀眾眼中貶值，線上自我展演的新宇宙和藝術經濟的舊元素又如何共存。除此之外，對於當代藝術的生產危機，受損的藝術生態系如何修復，作者也提出了實用而意義深遠的建議。